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lunes, 29 de noviembre de 2010

José María Arguedas (2da entrega)



Su obra, plena de melancolía casi como su vida, nace de las profundidades de su conciencia, de sus vivencias y el amor a la gente, de la impotencia de no poder cambiar la realidad a pesar de sus sueños y de su inmensa sensibilidad. Profundo observador más allá de la ciencia, configura sus vivencias como  propias,  se apodera de las observaciones y las narra   influído por el mundo que vivió en su infancia y lo marcó para siempre... Un escritor que cambió la visión de la América indígena, la llenó de humanidad y la acercó a la modernidad, le dio esperanzas de cambio y actuó por ella.
Sandra Gutiérrez Alvez (Ensayo sobre José María Arguedas , Fragmento)





José María Arguedas -
Escritor y científico social (antropólogo) peruano




“Arguedas es el escritor de los encuentros y desencuentros de todas las razas, de todas las lenguas y de todas las patrias del Perú. Pero no es un testigo pasivo, no se limita a fotografiar y a describir, toma partido.”(Gustavo Gutiérrez, Entre las Calandrias)


Nació el 18 de enero de 1911 en Andahuaylas. Cuando tenía 3 años murió su madre y quedó al cuidado de su abuela. En 1917, su padre se casó con una terrateniente adinerada, quien determinó que el niño viviera con los sirvientes. Arguedas se crió en Puquio y estudió en Abancay, Ica y Lima.

Su vida y su creación se nutrieron de su tierra y del pueblo peruano, especialmente de campesinos, artesanos, músicas y artistas populares. “Recorrí los campos e hice las faenas de los campesinos bajo el infinito amparo de los comuneros quechuas”, contaba.

En 1928 publica en la revista "Antorcha" de Huancayo. En 1931 ingresa a San Marcos y culmina sus estudios de literatura en 1937, año en que es apresado por sus actividades políticas.

Se casa en 1939 con Celia Bustamante Vernal. En 1944 le sobreviene una crisis que le impide escribir por 5 años. En 1949 es cesado por comunista. Obtiene el grado de Doctor en Letras en 1963. En 1965 se divorcia y luego, en 1967, se casa con Sybila Arredondo. El 28 de noviembre de 1969 se suicida.


Encuentra esta y más información sobre el autor en http://www.librosperuanos.com/autores/jose_maria_arguedas.html




También puedes acceder a un basto material audiovisual en You Tube, sobre la vida y obra de este magnífico escritor peruano.


http://www.youtube.com/watch?v=lTM7MqWnPzk Arguedas Parte 1
http://www.youtube.com/watch?v=j0Bt0nkwtGA Arguedas Parte 2
http://www.youtube.com/watch?v=mEVyhF4V0RM Arguedas Parte 3
http://www.youtube.com/watch?v=kYRvpYrwk Arguedas Parte 4
http://www.youtube.com/watch?v=8QSDph5MMQw Arguedas Parte 5
http://www.youtube.com/watch?v=Ur64XQn3Dyo Arguedas Parte 6http://www.youtube.com/watch?v=T4H5KEIsAOA Tumba de Arguedas
http://www.youtube.com/watch?v=QOI0G2S9Wzg Arguedas canta
http://www.youtube.com/watch?v=aYRDTcJ8zSQ Yawar Fiesta, resumen
http://www.youtube.com/watch?v=-eG-MfpTHNA Warma Kuyay
http://www.youtube.com/watch?v=vWussfFM-2I - LA AGONÍA DE RASU ÑITI
http://www.stickam.com/viewMedia.do?mId=174555204 Canción Don JMA, solo audio
http://www.youtube.com/watch?v=lG9_gniVch0 Arguedas/Cesar Hild. 1ra parte
http://www.youtube.com/watch?v=KUtJUYwXB74 Arguedas/Cesar Hild. 2da parte




fotografía tomada de: http://poesiasypoemasvariados.blogspot.com/2010/07/fotos-de-jose-maria-arguedas.html


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"Mi libertad termina donde comienza la tuya". Nota: El Laberinto del Unicornio es un blog sin ánimo de lucro que trabaja como redifusor de eventos artísticos, textos literarios y autores de Uruguay y del mundo, siempre indicando la fuente-conocida- de los textos y las imágenes publicados. En cualquier caso, si algún autor o editor quisiera renunciar a la difusión de textos suyos , o a la referencia de sus eventos que han sido publicados en este blog, por favor comunicarlo a la siguiente direción: solsandra66@gmail.com.

lunes, 23 de agosto de 2010

Guillermo Laborde

Guillermo Laborde 
(fuente http://www.mnav.gub.uy/cms.php?id=laborde#biografia)

(1886-1940)

Foto ampliada de Guillermo Laborde
Retrato del escultor Luis FalciniOleo sobre tela, 112 x 128 cm.

Nace en Montevideo el 24 de octubre de 1886. Estudia en el Círculo de Bellas Artes con el pintor Carlos María Herrera. En 1910 visita centros artísticos de Europa y en 1912, a su retorno a Montevideo, obtiene por concurso una beca otorgada por el Ministerio de Instrucción Pública. Viaja entonces nuevamente a Europa estudiando en Milán, Florencia, Roma, París y España. Además de la pintura se interesa por la decoración y la escenografía. Regresa a Montevideo en 1921. En 1923 es nombrado profesor de dibujo y decoración en la Escuela Industrial, y de dibujo y pintura en el Círculo de Bellas Artes. José Pedro Argul ("Proceso de las Artes Plásticas del Uruguay") destaca la tarea de este profesor que debía suplir las carencias del medio en cuanto a museos y otros lugares similares donde el estudiante pudiera ir a confrontar sus trabajos. Desde 1921 hasta su muerte, Laborde es docente dePetrona Viera. Menciona Raquel Pereda que este vínculo es un nexo fundamental entre Petrona y el exterior. "Laborde le imprime a Petrona una enseñanza de modernidad" ( Raquel Pereda,"Petrona Viera"). Quizás su intensa labor docente le impide una dedicación mayor a su realización artística. Laborde, cuidadoso del plano, va necesitando con el correr del tiempo grandes superficies. Creador de vestuarios y realizador de tablados de carnaval, también desarrolla intensa actividad como decorador y escenógrafo en teatros oficiales e independientes. Participa en numerosas exposiciones promovidas por el Ministerio de Instrucción Pública y la Comisión Nacional de Bellas Artes obteniendo algunas distinciones. En la exposición del Centenario del Uruguay (1930) gana el premio de Instrucción Pública; el primer y tercer premio en el concurso de afiches sobre el deporte organizado por la Comisión del Centenario; obtiene medalla de oro en 1940 en el Salón Municipal.

Expone en Buenos Aires, Perú, Ecuador entre otros países. Está representado en nuestra colección, en el Museo Municipal Juan Manuel Blanes y en varias instituciones estatales.

Fallece en Montevideo el 13 de mayo de 1940.
Foto ampliada de Guillermo Laborde
Deporte, 1935Oleo sobre tela, 74 x 99 cm.

miércoles, 11 de agosto de 2010

Pedro Peralta, y el taller PERRO NEGRO


Dibujo, pintura, grabado y xilografía.

por Sandra Gutiérrez Alvez

Ayer veía, La mano que mira, por canal 5 . Pasaron una interesante charla con Pedro Peralta, artista plástico uruguayo nacido en Salto en 1961. Me deleité en escucharlo y también en ver sus cuadros que apuntan a su visión del mundo, a través de su cristal, una visión que para él es la justa y correcta. Eso me gustó mucho. Dice que disfruta de la creación y que su herencia de artista, le marcó un camino: " hijo de pintores,  mi historia personal y artística siempre estuvo signada -de manera muy lúdica y hasta enfermiza- por el aspecto físico del hecho creativo, por una verdadera tozudez en el hacer. La obra terminada prácticamente no me interesa...Por otra parte, creo que ningún grabado está terminado..."
Sus grabados, dibujos y pinturas sorprenden, no sólo  por la originalidad sino el despojarse del tiempo, a veces hoy, y en un mismo cuadro el pasado y el presente se juntan.Un ejemplo de ello es una pintura en que luce la torre del Palacio Salvo y el edificio culmina siendo la torre de Babel, o esta dama que lo dice todo.

Contó sobre su pasaje en el taller de Vicente Martín, en los últimos años del pintor, él dice :"yo era un ayudante, yo sólo le ayudaba al viejo a preparar las pinturas", pero sin duda de un buen pintor siempre se aprende, igualmente, él se siente discípulo de Clever Lara, su Maestro.


Es de destacar que sus obras han participado en más de 50 exposiciones colectivas en todo el mundo, además de su exposición permanente en su Taller Pérez Castellano 1387, en la ciudad Vieja de Montevideo,  y que su proyecto el PERRO NEGRO fue ganador de los Fondos Concursables para la Cultura del MEC 2009. , Proyecto que comparte con dos de sus ex-alumnos y con el cual están recorriendo el país.

Peralta tiene como objetivo  la divulgación del gravado,  realizando en estos meses talleres de xilografía y exposición de sus resultados en las ciudades de Mercedes, Salto, Rivera y San Carlos. En cada localidad quedará instalado un mini-taller de grabado donde los participantes podrán seguir investigando y experimentando. Con los trabajos realizados en los talleres se realizará una gran muestra final en el Museo Nacional del Grabado en la ciudad de Minas. Una Pinturita, sin duda el MEC, apuesta a divulgar la cultura en todos los órdenes y hacerlo accesible a todo público.

PERRO NEGRO
En el taller se dictan cursos de dibujo, pintura y grabado en madera y metal.
Los cursos y talleres tienen como objetivos:
>> Profundizar en las técnicas tradicionales de grabado abocadas a la expresión contemporánea.

>> Descubrir nuevas alternativas para la creación de imágenes, priorizando la experimentación y las posibilidades de expresión de los diferentes soportes y sistemas de estampación.

>> Fomentar una visión investigadora, un lenguaje fruto de la reflexión y la experimentación y la inquietud creadora, donde cada participante pueda descubrir su propio camino y expresión personal.

También se ofrece servicio de taller de impresión para artistas grabadores, edición de carpetas de obra gráfica, tiraje, etc.

Pueden llegar hasta  Pedro Peralta y su trabajo de varias formas, una acercándose a su taller de Pérez Castellano 1387, en la Ciudad Vieja de Montevideo , otra es mediante la  visita virtual en la web de PERRO NEGRO, y para un contacto más personal en la distancia pueden obtener información  escribiendo a info@perronegro.com.uy



Biografía
http://www.perronegro.com.uy/bio_peralta.htm
Pedro Peralta nace en Salto, Uruguay, en 1961. Actualmente reside y trabaja en Montevideo.
Realizó estudios con Carlos Porro, Osvaldo Paz, Vicente Martín y Clever Lara, taller en el que luego ejerció tarea docente. Realizó curso de postgrado en grabado en metal con David Finkbeiner en el Museo Nacional de Artes Visuales (1986). Desde 1995 es docente de dibujo, pintura y grabado en madera y metal en su propio taller.

EXPOSICIONES INDIVIDUALES
Desde 1983 ha realizado 24 exposiciones individuales, entre las que se destacan:
2008 - “Pinturas al viento” Museo Zorrilla (Montevideo, Uruguay)
2008, 2006, 2004 - Exposiciones en Espacio 304 (San Juan, Puerto Rico)
2007 - Museo de las Amércias (San Juan, Puerto Rico)
2002 - “Figuraciones” Uruguay Cultural Foundation for the Arts (Washington DC, EEUU)
1999 - “2x2” Centro Cultural Recoleta, Clever Lara y Pedro Peralta (Buenos Aires, Argentina)
1995 - “Barroco Terraja” Cabildo de Montevideo (Montevideo, Uruguay)
1992 - Galería Skanes Konst (Malmo, Suecia) - Galería Kruunuhaan (Helsinski, Finlandia)

EXPOSICIONES COLECTIVAS
Desde 1986 ha participado en más de 50 muestras colectivas y salones, entre los que se destacan:
2008 - 53 Premio Nacional de Artes Visuales MNAV, Montevideo
2004 - Gráfica del MERCOSUR, Centro Cultural Caja de Granada (Granada, España)
2003 - Miami Dade Cultural Center (Miami, Estados Unidos)
2000 - Museo de las Américas, Diego Masi y Pedro Peralta (San Juan, Puerto Rico)
1998 - Galería Vía Livia. (Porto Alegre, Brasil).
1996 - “12 artistas contemporáneos uruguayos” Project ArtSpace (Wologong, Australia)
1994 - “Apropiaciones. La otra mirada.” Museo Juan Manuel Blanes (Montevideo, Uruguay)
1992 - “El Huevo de Colón” Museo Palme Haz (Budapest-Hungría)
1990 - Museo de Arte de Río Grande do Sul (Porto Alegre, Brasil)
1988 - Sala de exposiciones de Ca N’ametller, Galerie Nesle (Paris, Francia)- Boras Konstmuseum (Boras, Suecia)
1987 - José Pelayo y Pedro Peralta, MAC Museo de Arte Contemporáneo (Montevideo, Uruguay)
- III Muestra Nacional de plásticos jóvenes, Cabildo de Montevideo (Montevideo, Uruguay)

DISTINCIONES Y PREMIOS
2004 - Premio Morosoli a Trayectoria. Medalla de Plata Sección Grabados (Minas, Uruguay)
- Premio Ateneo Medalla de Plata Sección Grabados (Montevideo, Uruguay)
- 2º Premio Bienal Fundación Echagüe (Montevideo, Uruguay)
2001 - Premio Grabado, Something Special (Montevideo, Uruguay)
1999 - Premio 1era. Bienal de Peñarolenses en el Arte (Montevideo, Uruguay)
- 1er. Premio Grabado, Rotary Club Pocitos (Montevideo, Uruguay)
- Premio Leopoldo Fernández
1998 - 1er Premio de Grabado, Salón de Artes Plásticas del BROU (Montevideo, Uruguay)
- Premio 50 años del Estado de Israel (Montevideo, Uruguay)
1996 - Premio Especial Salón de Pintura. Centenario del BROU (Montevideo, Uruguay)
- Mención Especial Premio del Banco Hipotecario del Uruguay (Montevideo, Uruguay)
1988 - 3er. Premio y Mención de Honor BROU (Montevideo, Uruguay)
- Mención de honor Bienal de Arte Joven, Museo de Arte Americano (Maldonado, Uruguay)
1987 - Premio Tercera Muestra Nacional de Plásticos Jóvenes.
- Selección de la filial uruguaya de la Asociación Internacional de Críticos de Arte Rubros: Revelación e Instalación (Montevideo, Uruguay)

Sus obras se encuentran en colecciones públicas y privadas de Uruguay, Argentina, Brasil, Estados Unidos, Puerto Rico, México, España, Australia y otros países. Se destacan MARGS (Porto Alegre, Brasil), Museo de las Américas “Cuartel de Ballajá” (San Juan, Puerto Rico), Fundación Itaú (Montevideo, Uruguay), Museo del Grabado (Minas, Uruguay), MNAV Museo Nacional de Artes Visuales (Montevideo, Uruguay), Museo Rally (Maldonado, Uruguay)

lunes, 2 de agosto de 2010

Nuestra mayor obra de arte.

Nuestra mayor obra de arte.




por Sandra  Gutiérrez Alvez


Muchas veces el ser humano se siente solo, vacío, piensa que la vida no tiene sentido, que el mundo va por mal camino, y se abandona a seguir  una vida sin mayores sueños que los desafíos que el sistema le plantea, quizá tenga razones muy válidas para eso, pero en definitiva somos nosotros quienes creamos nuestro destino. Muchas veces,  nos imponemos  límites, nos apresamos y no nos detenemos un segundo a diseñar nuestro destino correctamente, y si lo hacemos ,  nos atamos a las reglas ya establecidas.
Pasar por sobre las reglas para el beneficio propio y el de los demás, aunque tantas veces se haya considerado loco y atrevido, siempre ha resultado muy beneficioso en toda la historia de la humanidad. Así surgieron los grandes descubrimientos. El viejo dicho de que todo está inventado, no habita en la cabeza de un creativo de mente libre y abierta. Un ejemplo de ello son los artistas de vanguardia, y en mayor manera los arquitectos, ambos impactan muchas veces por su osadía, porque revolucionan el pensamiento y los sentidos, pero luego llegan a ser aceptados hasta por los más parcos pesimistas.

La arquitectura , por el volumen que maneja quizá sea la más pretenciosa y cara de todas las artes y un gusto que no todos pueden darse pero como paradoja, es un arte que muchos podemos disfrutar de alguna manera porque se integra al paisaje urbano colectivo. 
Muchos ven a los edificios simplemente como un mero objeto utilitario donde se realiza la vida cotidiana, viviendas, centros de negocios y educativos, complejos deportivos, centros de salud, plazas, museos, aeropuertos, etc. , sin apreciar el valor artístico que ellos poseen. Otras personas, las que amamos el arte en correspondencia con la vida, lo vemos en cada obra realizada y podemos apreciar el valor de las piezas como objetos artísticos, somos sus críticos y disfrutamos o aborrecemos su presencia. Y ellas siempre nos dicen algo.

El arquitecto es un diseñador de espacios contenedores de vida. Si desea que su trabajo sea efectivo, entonces también querrá que la vida en ese espacio sea armoniosa y se desarrolle plenamente, un espacio donde  todos los sentidos dominen a la razón, y el confort los guíe, donde la utilidad,  el diseño y  la creatividad  sean una. Este diseñador  busca que el resultado de su trabajo incida en el  usuario de tal forma que sienta que cada minuto que habita ese pequeño orbe, es un momento maravilloso de su existencia.

Debe cuidarse para ello la orientación, buscando un buen  aprovechamiento de los recursos naturales en el acondicionamiento térmico y lumínico, deben tenerse en cuenta la circulación interna y el nexo con el exterior, se debe trabajar sobre el diseño visual en intercambio con el estilo urbano ya existente, también considerar los materiales en concordancia con el diseño y la estructura, se debe tomar total dominio  del sonido aislando o integrando el interior con los sonidos naturales o el ruido de la ciudad, etc., etc., etc..., y con toda la complejidad que eso representa, sin importar los costos, el artista  debe concretar  su diseño. Como verán no son pocos los aspectos a considerar, y  les estoy nombrando solamente algunos de los muchos ingredientes que tiene el arquitecto sobre la mesa, en su cocina de diseño, cuando se lanza a un proyecto. Igualmente, él no se detiene, pide ayuda y por lo general con un gran equipo lleva a cabo su proyecto. Por ello el mundo está lleno de buenas obras de genios que se atrevieron a vivir y a permanecer en el  recuerdo del colectivo .

Algunos talentosos arquitectos se han destacado por su genialidad derribando todas las barreras establecidas y han conseguido pasar a la historia por su osadía, desafiando aún las leyes físicas y mostrando que todo es posible para el hombre: y sólo querer, hace la gran diferencia.

Así deberíamos vivir cada día de nuestras vidas, derribando antiguos muros y creando nuevos códigos. Atreviéndonos a ser artistas, usando el máximo de los recursos materiales, espirituales y de relación, que estén a nuestro alcance, para construir nuestra obra. Sin límites establecidos más que el derecho de los demás, sin ahorrar en tiempo, porque el tiempo pasa y no vuelve, equilibrando nuestra economía para que podamos invertir en los materiales adecuados al edificio, adaptándonos al medio, siendo útiles a los demás e integrándolos a nuestras vidas,  dándole mucho color  usando la paleta sin restricciones  para que podamos mostrar todas las facetas que poseemos como artistas. Buscando siempre brillar por nuestra belleza interna, para que cuando el edificio esté en uso todo el que pase por nuestras vidas sienta que ha sido  una maravillosa  experiencia, porque la vida es nuestra mayor obra.

Un  hombre  que se ha destacado magníficamente en el arte de la arquitectura es Frank Owen Gehry, un arquitecto norteamericano, que en cada obra pone de manifiesto el esplendor de su arte, un arte donde el hombre habita y se desarrolla siendo parte de él cada día.  Este exponente deconstructivista, maneja planos de hormigón y acero como si fueran hojas de papel, con los que diseña la maravilla de su obra. 
Su vida, ha tenido desafíos y seguramente su obra aún más, pero el resultado ha sido magnífico. Sin dudas para llegar a ello ha dedicado años de investigación y trabajo arduo. Pero la magnificencia de los resultados , lo dicen todo. Te invito a una visita virtual al  MUSEO GUGGENHEIM- de BILBAO, seguramente coincidirás conmigo en que el momento del diseño,  los límites no estaban en su cabeza y que su obra, una genialidad, es el resultado de su libertad espiritual.
MUSEO GUGGENHEIM- BILBAO

Nosotros,  que tenemos obras mucho menos pretenciosas que ésta, deberíamos tener como desafío poder culminarlas, o por lo menos que cuando nos llegue el momento de partir hayamos dejado completas, de la mejor manera, algunas de las etapas.

Instituto Tecnológico de Massachusetts (MIT) 
La creatividad implica eso, crear desde la nada, inventar a cada segundo, empleando los conocimientos, emulando a los genios pero sin copiarles, usando la razón y los sentidos en forma equilibrada, sabiendo que en el momento sublime de la creación de una obra  nosotros siempre seremos nuestros mejores maestros. 

Sandra Gutiérrez Alvez



Bailando, torres de oficinas - edificio de Gehry N º 2 -
Media Harbour Düsseldorf / Renania del Norte-Westfalia,
 Alemania.
http://www.flickr.com/photos/dickmann/1566542139/
Biografía

En  la biofrafía de  Gehry   están sus códigos de vida, sus estudios y proyectos, espero la disfruten y pueda servirles, como a mi, para sacar sus conclusiones sobre el arte de la vida. 

Frank Owen Gehry 

(fuente biográfica Andres Pineva VillaVizar,www.arqhys.com )
Nació en Toronto, Ontario, Canadá en 1929 pero adoptó más tarde la nacionalidad norteamericana. Se graduó en 1954 de sus estudios de arquitectura y comenzó a trabajar en el estudio de Victor Gruen y Asociados en Los Ángeles. Fue a servicio militar durante un año y a su regreso fue admitido en la Escuela de Diseño de la Universidad de Harvard para estudiar urbanismo.

Estudió también en la universidad de Southern, antes de que estableciera su primera firma, Frank O. Gehry y Asociados en 1963. En 1979 esta firma fue fusionada y se convirtió en Gehry & Krueger Inc.

 Con los años, Gehry se ha movido lejos de una práctica comercial convencional dirigiendo su trabajo a un taller artístico dirigido. Su estilo arquitectónico deconstructivo comenzó a emerger en los últimos años 70 en que Gehry, dirigido por una visión personal de la arquitectura, creaba composiciones collage con los materiales encontrados. En vez de crear edificios, Gehry crea pedazos de escultura funcional. La arquitectura de Gehry ha experimentado una evolución marcada desde sus primeros trabajos en concreto retorcido hasta el chapeado y metal acanalado de sus trabajos más recientes. Su estilo es impactante, realizado frecuentemente con materiales inacabados. En un mismo edificio incorpora varias formas geométricas simples, que crean una corriente visual entre ellas. Sin embargo, los trabajos conservan una estética deconstructiva que ajusta bien con la cultura cada vez más desunida a la cual pertenecen.

En las comisiones públicas a gran escala, desde que se convirtió en un estético deconstructivo, Gehry ha explorado los temas de la arquitectura clásica. En estos trabajos él combina las composiciones formales con una estética estallada. Más recientemente posible, Gehry ha combinado formas curvadas con formaciones deconstructivas complejas, alcanzando nuevos resultados significativos. Es uno de los arquitectos contemporáneos que considera que la arquitectura es un arte, en el sentido de que una vez terminado un edificio, éste debe ser una obra de arte, como si fuese una escultura. El ha ido trabajando en sus sucesivos proyectos de esta manera, sin abandonar otros aspectos primordiales de la arquitectura, como la funcionalidad del edifico o la integración de éste en el entorno. En reconocimiento a su incansable labor, Gehry recibió en 1989 el prestigioso premio de arquitectura Pritzker, comparable con el premio Nobel.


Algunas de sus obras más importantes son: 

·Casa Frank Gehry (California)

·Museo Guggenheim de Bilbao, Bilbao, España.

·Hotel Marqués de Riscal, Elciego, España

·Casa Danzante, Praga, República Checa.

·Edificio del Banco DG, Berlín, Alemania.

·Centro de Exposiciones, Columbia, Maryland, EE.UU.

·Centro Maggie's Dundee, Dundee, Escocia.

·Torre Gehry, Hannover, Alemania.

·Sala de Conciertos Walt Disney, Los Ángeles, EE.UU. 




martes, 8 de junio de 2010

“El botín”



del dramaturgo inglés Joe Orton
  crítica  
por Alejandro Barrios


Una obra que no tiene desperdicios a la hora de hacer reír al público. Traída desde el teatro absurdo Británico y con una magistral dirección de Juan Graña, somos conducidos por las andanzas de un sacerdote que enviudó recientemente, la enfermera que estaba a cargo de los cuidados de la muerta, el hijo del sacerdote y uno de sus amigos. 
La historia cobra sentido (dentro de las posibilidades que ofrece el teatro absurdo), cuando un inspector de obras sanitarias falso, ya que en realidad es un detective desde su primera aparición en escena y éste comienza a investigar una cantidad de hechos sospechosos como que, el sacerdote tenga un hijo, la enfermera parezca una asesina en serie y el misterioso robo a un banco que se ubica junto al trabajo del amigo de la familia. Misterio, humor y falsas identidades se revelan con esta magnífica pieza teatral llevada adelante por grandes actores como  Mariana Lobo, Xavier Lasarte, Álvaro Correa, Martín Castro y Martín Abdul.




Joe Orton

Leicester, 1933 - Londres, 1969. Dramaturgo inglés, considerado uno de los más originales del siglo XX. De origen humilde, consiguió, después de numerosas vicisitudes, entrar en la Royal Academy of Dramatic Arts (la escuela más prestigiosa de arte dramático de Inglaterra.


En sus inicios recibió la influencia de las ideas teatrales de la llamada Escuela de la Amenaza. Conoció a Kenneth Halliwell y empezaron a escribir, conjuntamente, novelas y cuentos satíricos ambientados en el mundo de los homosexuales, relatos que nunca fueron publicados, pero que suscitaron una gran curiosidad en los editores (The Boy Hairdresser, The Last Day of Sodom, The Mechanical Womb). Algunas partes de estas obras aparecieron más tarde con otros títulos y con estructuras distintas.
Después de ser encarcelado durante seis meses junto con su amigo por haber estropeado las tapas de setenta volúmenes de una biblioteca londinense con obscenidades y rajaduras, empezó a escribir obras teatrales en solitario. Desarrolló un estilo propio, utilizando a veces un lenguaje formal y elegante en situaciones trágicas, lo que daba a sus tramas una especie de aire absurdo. A través de sus personajes expresó la dinámica década de 1960, haciendo que se burlasen de los viejos valores, confiriéndoles un espíritu rebelde y poco convencional, que tendía al humor negro y al lenguaje rudo. Su obra transgresora y de vanguardia creó, junto a la de H. Pinter, un nuevo teatro inglés, satírico y macabro. De este estilo son Atendiendo al Señor Sloane (1964) y El botín (1965).

El escritor es un maestro en la construcción de tramas y diálogos, muy hábil en la representación de situaciones increíbles, utilizando un lenguaje controlado y con numerosos elementos dialectales: toda una sucesión de réplicas y juegos de palabras que provocan la risa, con violencias y deseos inconfesables, que son sobreentendidos. En 1964 escribió The Good and Faithful Servant, seguido de El botín (1965), The Ruffian on the Stairs (1966), The Erpingham Camp (1967) y What the Butler Saw (1967). Esta última comedia fue publicada póstumamente con el título de Funeral Games (1970). También póstumamente se publicaron Up against It (1979, un guión para los Beatles) y la novela autobiográficaHead to Toe (1979).
Joe Orton murió asesinado a martillazos por su compañero Kenneth Halliwell. Poco tiempo después, Halliwell, abrumado por el remordimiento, se quitó la vida con la ingestión de una dosis de barbitúricos. La turbulenta relación mantenida entre ambos compañeros fue objeto de una obra biográfica escrita por el periodista John Lahr, obra que enseguida se convirtió en un best-seller y que sirvió de base al director británico Stephen Frears para realizar su brillante película Ábrete de orejas.





"El botín" se exhibe 
Viernes y sábados, 21 horas. Domingos, 20 horas
en la sala del Teatro Circular
Rondeau 1388 .Tel. : 901-5952